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¿Pintura o escultura? La obra de Rainer Splitt en la galería Pilar Serra, por @sumasyrestas

Las obras del artista conceptual alemán Rainer Splitt podrían definirse como híbridos que se encuentran a medio camino entre la pintura y la escultura contemporánea. No tienes muy claro ante qué estás exactamente, así que lo más adecuado es dejarte llevar por sus volúmenes de colores brillantes y atender a cómo sus formas invaden el espacio.
El método que sigue Splitt para realizar sus creaciones se centra en las relaciones entre pintura, volumen y color convirtiendo sus obras en objetos materiales escultóricos tridimensionales.
Pouring amarillo, 2010. Poliuretano y esmalte. 1 cm de grosor.
La pintura se convierte en víctima de la arbitrariedad gravitatoria, viéndose influida por la plasticidad y densidad del propio fluido que termina adaptándose al objeto o espacio al que se adhiere durante el secado. Tiempo y gravedad juegan por tanto un papel trascendente al determinar así la dirección y expansión de la pintura, ofreciendo al espectador una sensación de movimiento únicamente interrumpida por la solidificación natural del fluido a partir de sus propiedades.
Esta forma de pintar escultóricamente dejando que la pintura se expanda con libertad contrasta con los elementos sobre los que se asienta. Estructuras geométricas de ángulos y formas rectas parecen posicionarse como antitéticos del fluido que reciben y que se muestra con formas irregulares y orgánicas. Cualquier superficie que cumpla estas características puede ser utilizado por Rainer Splitt como lienzo sobre el que realizar el vertido, desde una estantería hasta el propio suelo.
El acabado que ofrecen las obras parecen mostrar a un Splitt que cede a las leyes físicas todo el control sobre sus propias creaciones. Sin embargo, cada una de sus pinturas escultóricas surgen de un exhaustivo estudio sobre las cualidades del fluido empleado, las posibilidades para extenderse sobre el espacio, la velocidad de lanzamiento del líquido y los tiempos que requiere para secarse en función de sus propiedades. Todo ha sido estudiado para generar estéticamente una sensación de arbitrariedad que esconde tras sí la causalidad (y no casualidad) que provocan las diferentes leyes de la física que intervienen en el proceso.

Pouring box azul y negra, 2010. Policarbonato y esmalte.

El color es otro de los elementos que cobra gran importancia en la ejecución de sus trabajos. Del mismo modo que toma superficies frías con formas simples para intervenir con la pintura, los colores empleados en todas sus obras son monocromáticos integrándose de manera armoniosa con el espacio. Su paleta de tonalidades compuesta por pintura industrial sintética contiene colores como el naranja, el negro, el verde o el rojo carmesí recurriendo al poder emocional que aportan los colores brillantes y luminosos que bañan sus obras.
Bien sean entendidas como pinturas escultóricas o esculturas pictóricas, las obras de Rainer Splitt han llegado a la Galería Pilar Serra (Calle Santa Engracia, 6. Bajo centro) de Madrid en su primera exposición individual en España. En la muestra, que podrá ser visitada hasta el próximo 15 de mayo, pueden verse 7 obras entre las que se encuentran papeles pintados, cajas de PVC que abandonan su función para situarse sobre una pared o incluso pinturas derramadas sobre el propio suelo del espacio expositivo que conforman un charco de pigmento y poliuretano. No pierdan la ocasión de visitarla si se encuentran por la capital.

Paperpool, 2013. Papel plegado y desplegado. Acrílico.

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Réquiem por P183. El espacio público como lienzo ilimitado, por Elisabet Luengo (@sumasyrestas)

Hace unos días llegaba a la sección de cultura de los medios de comunicación de diversos países un comunicado sobre la muerte del artista callejero P183. Pável Pukhov desaparecía de un mundo que le sirvió como lienzo, bajo causas desconocidas y con la ausencia de toda investigación policial. La noticia venía, por tanto, envuelta en cierto halo de misterio que ha llevado a los medios a centrarse más en las hipótesis post mortem que en el legado que el artista ruso ha dejado.

Un legado físicamente inexistente (o casi) debido a la eliminación de las obras por parte de las autoridades municipales atendiendo a la prohibición de arte urbano – más aún siendo crítico -.  La subversión que implica la adopción del espacio público como museo ilimitado y medio de expresión, ha conllevado la supresión de la mayoría de los trabajos realizados por P183, que afortunadamente están recogidos en la red gracias a las fotografías que él mismo tomaba para dejar constancia de sus acciones.
Pável Pukhov ha muerto sin llegar a cumplir los 30, pero sus obras de arte callejero pueden contarse por docenas debido a una temprana iniciación en el street art que le otorgaba ya una experiencia de 17 años. Las normas comenzaban a tambalearse para el artista allá por 1996, cuando para lograr continuar con sus intervenciones decide mantenerse en el anonimato y firmar con el pseudónimo P183 (Pasha 183). 

Las calles son las salas expositivas más accesibles para cualquier persona. La calle es al mismo tiempo mi taller y mi galería.


Cuento del tiempo perdido

Los habitantes de Moscú y San Petersburgo son sin duda, quienes más oportunidades han tenido de contemplar sus creaciones in situ, aunque otras ciudades rusas como Yekaterimburgo también fueron objeto de intervención para el artista. Las zonas en decadencia, las fábricas abandonadas, los muros, los puentes, las carreteras o las zonas de recreo sirvieron de soporte para la ejecución de estarcidos, adhesivos, objetos y pintura en aerosol. En las pocas entrevistas que P183 concedía a los medios solía justificar sus primeros trabajos realizados en blanco y negro atendiendo a razones puramente económicas que le impedían utilizar pintura de color (más cara), un elemento algo baladí para un artista al que por encima del estilo, le preocupaba el significado de lo que hacía.

Como artista, para dibujar algo, hay que entrar en lo que estás haciendo.                                                    .             

Tal vez las dificultades económicas del artista hayan influido en los mensajes que proyectaba en sus obras. Cercano ideológicamente al anarquismo que rechaza toda autoridad, sus obras están plagadas de denuncia social. El trasfondo político y la crítica al consumismo capitalista son una constante en sus intervenciones pese a negarse a aceptar la etiqueta de “artista político”.
Muestra de ello es  la conferencia que ofreció en el II Festival de Publicidad Honesta de Ekaterimburgo (único acto público al que aceptó acudir en su vida). Allí, con el rostro cubierto por un pasamontañas como acostumbraba a aparecer, Pável Pukhov reflexionaba sobre la manipulación que la publicidad ejerce sobre los ciudadanos que se ven impulsados a comprar y a venderse y las relaciones de mercado que extienden sus tentáculos hacia cualquier ámbito de la vida. 
Asimismo, existe otro componente indispensable para entender la obra de P183: la pérdida de la inocencia. Sus trabajos aluden frecuentemente a la etapa de la infancia como elemento vital para el autoconocimiento y el afrontamiento del futuro. Gran parte de sus creaciones destilan perplejidad ante el mundo adulto, revelando cierta nostalgia por un pasado que no va a volver.

Tal vez fuera esta contraposición entre la vida adulta y el imaginario infantil la que le impulsó a diseñar y ejecutar una de sus obras más internacionales y con la que suscitó el interés mediático de periódicos como The Guardian o el Telegraph. El patio de un colegio moscovita fue el lugar escogido para plasmar unas enormes gafas que tomaban una farolas como patilla y que sirviéndose de la perspectiva se erigían en 3D a través de las ventanas del edificio.
Muy diferente era el objetivo que se escondía tras la gran tableta de chocolate de la marca Alenka que se apoyaba sobre una pared en ruinas. Creada sobre una gran losa de hormigón, la obra fue concebida como un final alternativo a la película The tale of Alenka 2005, enfrentando al espectador a la imposibilidad de consumir o comprar aquel popular producto soviético.  
El metro de Moscú también fue objeto de una de sus obras más subversivas al situar a unos ficticios antidisturbios tras sus puertas de acceso, pretendiendo de este modo que los usuarios empujaran e ignoraran estas figuras policiales. Otras intervenciones de fuerte contenido crítico  de P183 han ocupado puentes (Burn the bridges), cabinas telefónicas o solares abandonados, aunque también tuvo tiempo para brindar a los transeúntes mensajes de esperanza.  
Os dejo unas cuantas obras realizadas por el ya lamentablemente desaparecido artista a lo largo de su trayectoria. P183 hacía preguntas y ofrecía respuestas, solo tenéis que encontrarlas.

Burn the brigdes. Puente de Moscú.
Ahora nadie necesita permiso para dejar el mono. Calle en obras.
Who was all becomes anybody. Calle de Moscú.
Víspera de año nuevo. Moscú.
Podéis ver el making of de estas u otras obras de P183 en la lista de reproducción que Espacios Convergentes tiene en YouTube:
http://www.youtube.com/watch?v=XGVUFBmAV-0&list=PLBk5h5iEPVDdCnBhQsMh3TmAE05UWmZsO

Y por supuesto, quien se atreva con el ruso, no debería dejar de visitar la web y el blog del artista.
http://www.183art.ru/

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El sandwich art de David Laferriere. Una ilustración para cada día, por Elisabet Luengo (@sumasyrestas)

Las profesiones creativas no saben de horarios. No entienden de jornadas de 8 horas ni desconectan al salir del trabajo para no volver a retomarlo hasta el día siguiente. Un escritor se lleva de vacaciones la historia que se trae entre manos, en la cabeza del músico resuenan una y otra vez acordes desordenados, un artista no deja de serlo al abandonar su estudio.
Muestra de ello es la impresionante colección de ilustraciones que David Laferriere alberga en su cuenta de Flickr. David Laferriere es diseñador gráfico e ilustrador. Y también es padre e ilustrador.  Todo junto. Durante los años 2008 y 2009, este creativo estuvo dibujando con rotuladores permanentes sobre las bolsas de sándwich que sus hijos se llevaban al colegio diferentes imágenes que poco a poco fue subiendo a Internet. En total, más de 1.000 ilustraciones tan efímeras como debieron serlo los propios sándwich, pero que, gracias a las fotografías revelan una iniciativa extremadamente original que aún de vez en cuando Laferriere continúa ampliando.
Os dejo algunas de las ilustraciones de este “sandwich art”, aunque no deberías dejar de visitar la galería completa en Flickr.

Groucho Glasses
International Pi Day
Gold fishdfasfa
Mail it

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La vida del artista en un manifiesto, por Marina Abramovic (por Elisabet Luengo (@sumasyrestas)

Hace unos días llegaba a mis manos por fin el documental Marina Abramovic: la artista está presente, que muestra la preparación y el desarrollo de la retrospectiva que el MOMA de Nueva York hizo sobre su obra en 2010. La pieza documental profundiza sobre la personalidad y los procesos de creación de la artista con motivo de la gran retrospectiva, así como aprovecha para recuperar algunas de las piezas performáticas realizadas a lo largo de su trayectoria artística.
El documental cuenta con numerosas imágenes de archivo que junto a las intervenciones de la artista y de otras figuras relevantes en su carrera, dibujan de manera precisa las inquietudes y motivaciones que mueven a Abramovic a la hora de realizar sus creaciones.
En un momento del film, se recuperan imágenes en las que la artista serbia recoge el premio Lorenzo Il Magnífico de la Bienal de Florencia de 2009. Marina Abramovic sube al escenario para recoger el galardón y lee un manifiesto sobre las relaciones entre la figura del artista y otros aspectos de la vida como son la creación, la soledad o la muerte. El manifiesto cuenta con 18 epígrafes que se desglosan a su vez en varios puntos. Aunque conocía la obra de Abramovic desde hace varios años, hasta el visionado del documental no había escuchado el manifiesto que ahora os transcribo y que me parece simplemente extraordinario.


1.       La conducta en la vida del artista:

- Un artista no debe mentirse a sí mismo o a otros
- Un artista no debe robar ideas a otros artistas
- Un artista no debe corromperse a sí mismo o por el mercado del arte
- Un artista no debe matar a otros seres humanos
- Un artista no debe convertirse a sí mismo en un ídolo
- Un artista no debe convertirse a sí mismo en un ídolo
- Un artista no debe convertirse a sí mismo en un ídolo
2.       La relación del artista con su vida amorosa:

- Un artista no debe enamorarse de otro artista
- Un artista no debe enamorarse de otro artista
- Un artista no debe enamorarse de otro artista
3.       La relación del artista con el erotismo:

- Un artista debe desarrollar un punto de vista erótico sobre el mundo
- Un artista debe ser erótico
- Un artista debe ser erótico
- Un artista debe ser erótico
4.       La relación del artista con el sufrimiento

- Un artista debe sufrir
- El mejor trabajo surge del sufrimiento
- El sufrimiento conduce a la transformación
- A través del sufrimiento un artista trasciende su espíritu
- A través del sufrimiento un artista trasciende su espíritu
- A través del sufrimiento un artista trasciende su espíritu
5.       La relación del artista con la depresión:

- Un artista no debe deprimirse
- La depresión es una enfermedad y debe ser curada
- La depresión no es productiva para un artista
- La depresión no es productiva para un artista
- La depresión no es productiva para un artista
6.       La relación del artista con el suicidio:

- El suicidio es un crimen contra la vida
- Un artista no debe suicidarse
- Un artista no debe suicidarse
- Un artista no debe suicidarse
7.       La relación del artista con la inspiración:

- Un artista debe mirar dentro de sí mismo para buscar la inspiración
- Cuanto más profundice en sí  mismo, más universal se convertirá
- El artista es el universo
- El artista es el universo
- El artista es el universo
8.       La relación del artista con el autocontrol

- El artista no debe tener autocontrol sobre su vida
- El artista no debe tener autocontrol absoluto sobre su obra
- El artista no debe tener autocontrol sobre su vida
- El artista no debe tener autocontrol absoluto sobre su obra
9.       La relación del artista con la transparencia:

- El artista no debe dar y recibir al mismo tiempo
- La transparencia significa receptividad
- La transparencia significa dar
- La transparencia significa recibir
- La transparencia significa receptividad
- La transparencia significa dar
- La transparencia significa recibir
- La transparencia significa dar
- La transparencia significa recibir
10.   La relación del artista con los símbolos

- Un artista crea sus propios símbolos
- Los símbolos son el lenguaje del artista
- El lenguaje debe ser traducido después
- A veces es difícil encontrar la interpretación
- A veces es difícil encontrar la interpretación
- A veces es difícil encontrar la interpretación
11.   La relación del artista con el silencio

- Un artista tiene que entender el silencio
- Un artista tiene que crear un espacio de silencio para entrar en su obra
- El silencio es como una isla en mitad de un turbulento océano
- El silencio es como una isla en mitad de un turbulento océano
- El silencio es como una isla en mitad de un turbulento océano
12.   La relación del artista con la soledad:

- Un artista debe pasar por largos períodos de soledad
- La soledad es extremadamente importante
- Lejos de casa
- Lejos del estudio
- Lejos de la familia
- Lejos de los amigos
- Un artista debe pasar largos períodos de tiempo en las cascadas
- Un artista debe pasar largos períodos de tiempo explotando volcanes
- Un artista debe pasar largos períodos de tiempo buscando en los ríos rápidos
- Un artista debe pasar largos períodos de tiempo mirando hacia el horizonte donde océano y cielo se encuentran
- Un artista debe pasar largos períodos de tiempo mirando las estrellas en el cielo nocturno
13.   La conducta del artista en relación con su obra:

- Un artista debe evitar ir todos los días al estudio
- Un artista no debe tomar su trabajo como lo hace un empleado de la banca
- Un artista debe explorar la vida y trabajar solo cuando una idea viene a él en un sueño o como una visión que aparece por sorpresa durante el día
-Un artista no debe repetirse a sí mismo
- Un artista no debe producir demasiado
- Un artista debe evitar contaminar su arte
- Un artista debe evitar contaminar su arte
- Un artista debe evitar contaminar su arte
14.   Las posesiones del artista:

Los monjes budistas aconsejan tener 9 posesiones en la vida:
Una túnica para el verano
Una túnica para el invierno
Un par de zapatos
Un tazón para mendigar comida
Una mosquitera
Un libro de oraciones
Un paraguas
Una esterilla para dormir
Un par de gafas (si son necesarias)
- Un artista debe decidir por sí mismo cuáles son las posesiones mínimas que necesita  tener
- Un artista debe tener más y más de menos y menos
- Un artista debe tener más y más de menos y menos
- Un artista debe tener más y más de menos y menos
15.   La lista de amigos del artista:

- Un artista debe tener amigos que eleven su espíritu
- Un artista debe tener amigos que eleven su espíritu
- Un artista debe tener amigos que eleven su espíritu
16.   La lista de enemigos del artista:

- Los enemigos son muy importantes
- El Dalai Lama dice que es sencillo tener compasión con los amigos, lo difícil es tenerla con los enemigos
- Un artista tiene que aprender a perdonar
- Un artista tiene que aprender a perdonar
- Un artista tiene que aprender a perdonar
17.   Diferentes escenarios de muerte:

- Un artista tiene que ser consciente de su propia mortalidad
- Para un artista, no es importante sólo cómo se vive, sino también cómo se muere
- Un artista debe observar los símbolos de su obra para las identificar las señales de los diferentes escenarios de muerte
- Un artista debe morir conscientemente y sin miedo
- Un artista debe morir conscientemente y sin miedo
- Un artista debe morir conscientemente y sin miedo
18.   Diferentes escenarios funerarios:

- Antes de su funeral, un artista debe dejar instrucciones para que todo se cumpla como el quiere
- El funeral es la última obra de arte del artista antes de irse
- El funeral es la última obra de arte del artista antes de irse
- El funeral es la última obra de arte del artista antes de irse

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Gran liberación mundial de libros a través del bookcrossing, por Elisabet Luengo (@sumasyrestas)

Seguro que todos tenéis algún libro en la estantería del que os podéis desprender. Venga, pensad. Ese que os regalaron y tenéis repetido, aquel que os decepcionó tanto que no pudisteis llegar a acabar o uno que consideráis que todo el mundo debería leer. Y se va a quedar ahí, aparcado en un anaquel acumulando polvo para el resto de los días.

La literatura en sí misma es un acto de compartir

El escritor hace partícipe al público de  una historia, un mensaje o un código. El lector se hace cómplice y dedica parte de su tiempo a lo que el autor ha querido transmitir. Si ambos conectan a través de la narración, lo más probable es que el libro crezca. Alguien lo recomendará o lo regalará involucrando a una tercera persona con la que merece la pena compartir ese relato. El propio ciclo es ya en sí mismo extraordinario.
Pero se vuelve mágico cuando además el libro viaja y guarda tras sí otras historias más allá de las que aparecen impresas sobre el papel. Los asiduos a las librerías de segunda mano ya participan de esta filosofía rescatando ejemplares que en otro tiempo pertenecieron a quién sabe quién. Algunas ciudades como Heidelberg tienen estanterías situadas en la vía pública (concretamente en la ajetreatada Hauptstraße) en las que se produce un tráfico constante de libros entre quienes se llevan a casa ejemplares y quienes los dejan para el disfrute de otros lectores. Siguiendo la misma línea, se encuentran también las liberaciones de libros que desde hace más de 10 años se llevan a cabo en diferentes puntos del planeta con el objetivo de expandir las historias hacia límites indefinidos.

 

Tercera Gran Liberación Mundial de Libros

Mañana 21 de marzo tendrá lugar una nueva liberación.  El Club de los Libros Perdidos ha lanzado a través de Internet una nueva convocatoria a nivel internacional que pretende fomentar la circulación de libros a través de una cadena invisible de lectores.

El planteamiento es sencillo. Cualquier persona podrá ceder voluntariamente el libro que desee liberar depositándolo en un espacio público (parques, museos, paradas de autobús, cafeterías o cualquier otro lugar de acceso general) junto a una nota en la que deben aparecer los siguientes datos:
  • El libro forma parte de El Club de los Libros Perdidos
  • Quien lo encuentre será su propietario hasta que una vez leído, vuelva a ser puesto en libertad.
  • Día y lugar donde fue depositado el ejemplar.
De este modo se incentiva que el nuevo propietario del libro entre en contacto con el movimiento y empiece a participar en él volviéndolo a liberar tras su lectura. Especialmente interesante es la posibilidad de realizar un seguimiento sobre los lugares por los que ha viajado cada ejemplar, por lo que es recomendable enlazar esta iniciativa con la de BookCrossing.

BookCrossing. El mundo como biblioteca

El propio acto de abandonar libros en lugares públicos con el objetivo de que nuevos lectores los rescaten y los mantengan vivos se conoce como bookcrossing. El término fue acuñado por la plataforma homónima que comenzó con este movimiento en 2001 en Estados Unidos, y que permite realizar un seguimiento de los libros que se han prestado a través de la iniciativa. 
La manera más adecuada de liberar un libro pasa por registrarlo en la plataforma (http://www.bookcrossing-spain.com) y obtener el BCID (número de identificación) que pasará a formar parte de la base de datos que alberga todos los ejemplares liberados. A continuación el propietario del ejemplar identificará con el BCID el libro del que se va a desprender, bien escribiéndolo en el propio libro, bien adhiriéndole una etiqueta en la que se hace referencia al código y a la plataforma en la que está registrado.

Cuando alguien encuentre el ejemplar deberá notificarlo en la web. Así podrá además puntuar o compartir su opinión sobre él y realizar un seguimiento de las veces que ese libro ha sido liberado y de los lugares que ha recorrido. Asimismo, la plataforma facilita alguna información que  revela datos sorprendentes: en los últimos 3 días se han liberado en España 1.367 libros que aún están por capturar. 

La trayectoria que haya tenido cada ejemplar solo dependerá de cuántas veces ha sido leído y vuelto a liberar, por lo que queda en manos de los lectores que el libro acumule más historias de las que caben en sus propias páginas. Mañana Pedro Páramo saldrá de mi estantería destino a algún lugar de la ciudad, donde le espera un futuro propietario que aún no sabe que lo es. Ánimo para quién aún no se haya atrevido a dejar que algunos de sus libros sean libres, y enhorabuena a todos los que volváis mañana a casa con una nueva historia bajo el brazo. 

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Trendelenburg 3.4. Arte postdigital en directo, por @sumasyrestas

Además de ser un apellido alemán y una posición quirúrgica, Trendelenburg es también un festival de arte postdigital. En tan solo 4 años, este vocablo teutón ha terminado por convertirse en sinónimo de experimentación visual y sonora. Las vueltas que dan las palabras.

Trendelenburg (el festival)

Trendenlenburg nace en Gijón en 2010 con el objetivo de promover un encuentro internacional anual que reúna alrededor de la creación audiovisual y la innovación técnica a artistas y público afín. Por puro amor al arte, la Asociación lxlxl (http://www.lxlxl.cc) formada por el colectivo de arte visual Thr3hold y varios artistas locales, pretende con Trendelenburg establecer un espacio de difusión para proyectos creativos interdisciplinares que integren  la tecnología digital como parte indispensable de su creación.

Con la intención de atraer a la sociedad y facilitar su acceso a este tipo de producción cultural, el festival carece de ánimo de lucro. Las diferentes intervenciones artísticas son ofertadas al público de manera gratuita, del mismo modo que los artistas participantes no perciben ninguna remuneración económica por su aportación. Se crea así un contexto de intercambio de conocimiento y retroalimentación mutuo que toma como núcleo el arte postdigital y la experimentación artística mediante nuevos medios y herramientas digitales. Y nada más.
Y nada menos. Trendelenburg define el festival a partir de 3 principios básicos que están presentes en cada una de sus acciones: la experimentación, la experiencia en el espacio público y la gratuidad. Y lo cumple con creces.
El tiempo y el espacio son cruciales para el desarrollo del festival. El directo cobra gran relevancia como medio para potenciar y maximizar el valor de las diferentes creaciones. Por ello en su programación tienen cabida manifestaciones audiovisuales que integren las nuevas tecnologías como medio expresivo, propuestas escénicas que asuman la experimentación sonora ejecutada en vivo y diversas intervenciones artísticas sobre el espacio. Un espacio que, pretendiendo derruir el halo de elitismo que mantiene el arte contemporáneo respecto a la sociedad, se aproxima a ella mediante el uso y la reinterpretación de lugares públicos de la ciudad cuya función se ve transformada durante unos días. 

Trendelenburg 3.4. (15-17 de marzo)

La cuarta edición del festival dará comienzo el próximo 15 de marzo. La música, las artes escénicas, la performance y los espectáculos multimedia más innovadores y experimentales del panorama nacional e internacional ocuparán la ciudad durante 3 intensos días con diversas   propuestas inéditas.

Viernes

Arturo Moya Villén y Álvaro Muñoz Ledo inaugurarán Trendelenburg 3.4. en el Museo Barjola con umbra-L, una instalación interactiva audiovisual que invita a reflexionar sobre la construcción de la identidad a partir del anonimato, el reconocimiento del cuerpo, el movimiento y las sombras. La jornada continúa en el Museo del Ferrocarril, donde Mind Revolution (proyecto de Eugenia Tejón y Ángel González) explorará el espacio sonoro tratando de interactuar con otras disciplinas artísticas y Axial (de Jaime Rodríguez y César Naves) recurrirá a la hibridación de los géneros para la obtención de obras transdisciplinares.
 De la colaboración entre David INEXACTE y los asturianos Proyector Flüjendorf surgirá una propuesta que ahondará sobre la experiencia sinestésica, mientras que la Plataforma CAMP (Creative Arts and Music Project) estará presente en esta edición a través de BRAINS: Hammerhaus, una performance audiovisual que contará con la presencia de dos de sus promotores en colaboración con los artistas Kurt Laurenz Theinert y Hanfreich.





Sábado

El sábado comenzará pronto para Trendelenburg. El bar-librería Toma 3 acogerá una jornada matinal en la que el vermú estará acompañado por una sesión de electrónica a cargo del Dj Logical Disorder. El Centro de Cultura Antiguo Instituto será testigo por la tarde del nacimiento de un nuevo proyecto del colectivo: N-E-X-O, una red colaborativa dedicada al networking y la creación de nuevas vías de participación entre los asistentes.
Posteriormente tendrá lugar Pirouette en Re menor de Bàcum Produccions, un espectáculo multidisciplinar que aunando música, danza y multimedia tratará de potenciar la expresividad de estas disciplinas sin supeditar ninguna de ellas al propio espectáculo. Del movimiento, la iluminación, el sonido, la imagen y la tecnología surge una obra en la que el espacio escénico se retroalimenta de cada una de los elementos para obtener una nueva fórmula de escenificación.
Con la noche llegará la presentación de Mooi, el nuevo disco de LOD (Luis Ortiz). El músico ha contado con la colaboración de la fotógrafa y artista visual Xarlene Visuals que dará lugar a un espectáculo en el que el plano sonoro y visual se fundan en un mismo elemento. A este espectáculo le seguirá el directo exclusivo de incite/, una agrupación reconocida a nivel europeo por conjugar en sus creaciones la música electrónica con el mundo del arte. El Museo del Ferrocarril será testigo esa noche de cómo la experiencia se amplifica y alcanza un mayor grado de interacción cuando las disciplinas se asoman a espacios fronterizos abandonando sus límites.

Domingo

Si el Trendelenburg 2.3 inauguraba una sección exclusivamente dirigida al público infantil y adolescente, la edición 3.4 no iba a dejar de dedicarles una parte de su programación. El Espacio Astragal acogerá el programa de creación MiniLOOP, que contará con la intervención de Violeta Nureyev y las hermanas Carmen y Patricia Vázquez. Bajo la declaración Venimos en son de paz se presentará ante los más pequeños un espectáculo participativo en el que la imaginación y la actividad creativa tomarán el protagonismo.

Y además

Complementando la programación y estirando al máximo la agenda de los visitantes, se desarrollarán algunos eventos en consonancia con el propio festival. El bar La Plaza (Calle Julio Fernández, 1) abrirá a partir de las 00:30 un Playtime las noches del viernes y el sábado. Por su parte Red Bull, patrocinador de Trendelenburg, ofrecerá cocktails exclusivos realizados por el chef Pedro Martino a las 50 primeras personas que se presenten en el Museo del Ferrocarril tras el espectáculo Pirouette en Re Menor.

Hasta que el festival de comienzo podéis ir abriendo boca con el maravilloso espectáculo que el Proyecto Kevlar ofreció en la edición de 2011 de Trendelenburg.

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Si queréis saber más podéis visitar la web del festival: http://trendelenburg.org/

Si queréis más información podéis hacer clic en la página del festival: http://trendelenburg.org/
O descargaros este dossier:

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Ensayo sobre la burla. Terapia para afrontar la realidad, por @sumasyrestas

El humor y la burla se han convertido en una de las vías de escape para habitar un mundo sociopolíticamente inestable sin morir en el intento. El desahogo de los ciudadanos pasa, entre otras vías, por tomarse con filosofía y sarcasmo todo cuanto acontece a su alrededor al tiempo que tratan de desentrañar los mecanismos por los que se rige actualmente la toma de decisiones.
Toño Velasco, diseñador gráfico y artista socialmente comprometido, reflexiona sobre esta actitud en su exposición Ensayo sobre la burla. El artista propone enmascarar la crudeza que destila hoy en día la realidad a través de gestos espontáneos y sarcásticos realizados tanto por quienes mueven los hilos en la actualidad como por quienes se resignan a ellos. Mantener una actitud burlesca respecto al contexto actual es para Velasco un tratamiento  terapéutico a través del que forzar una visión positiva y desenfadada del mundo. 

La exposición

La colección cuenta con 30 obras realizadas a lo largo de 3 años bajo la técnica del óleo en las que aparecen retratados en un absoluto primer plano tanto ciudadanos anónimos como reconocidos líderes políticos. Entre otros personajes populares, la muestra cuenta con una Angela Merkel que saca la lengua a sus espectadores y que contribuye a desmitificar el poder que concentra como figura política (podéis ver el making off de la Ask for Angela más abajo). Con el mismo gesto aparecen también otros personajes famosos como Nicolas Sarkozy en la obra Little Napoleón o el tan de actualidad Luis Bárcenas, con un retrato que se incorporó a la exposición a posteriori y al que se llega tras un camino de sobres dispuestos por el suelo. El duque y el marco dorado retrata a Iñaki Urdangarín tratando de escapar de su propio cuadro, mientras desde otros lienzos sonríen Rodrigo Rato o Emilio Botín.
Asimismo, la exposición refleja a través del retrato los gestos burlescos que personas anónimas han realizado para la ocasión. Dispuestas en la planta superior del museo y separadas de las de los personajes populares, no dejan de provocar cierta disyuntiva generando una reflexión sobre si nos encontramos ante dos grupos sociales diferentes cuyas burlas se dirigen a agentes distintos o si, al fin y al cabo, una actitud tan desinhibida los acerca e iguala como individuos.
La muestra cierra a modo de happy end con la obra Smile, un retrato más positivo y mucho menos inquietante que logra dejar al visitante con buen sabor de boca. Sin cuestionar la calidad individual de las pinturas, es recomendable una vez terminado el recorrido realizar un segundo repaso observando el conjunto de las obras con cierta distancia para experimentar la perturbación que proyectan globalmente estas actitudes sobre el espectador.

Más allá de los lienzos

Pero no solo de óleos se compone la exposición. Ensayo sobre la burla se presenta como un proyecto más amplio y participativo que pretende involucrar a un gran número de personas a través de las nuevas tecnologías y las redes sociales.  Durante el acto inaugural de la muestra, se llevó a cabo un happening en el que se pidió la participación de los asistentes para que se prestaran a ser captados con gesto burlón y en el espacio expositivo se sitúa de manera permanente un fotomatón para capturar a los visitantes que se presten voluntarios. Asimismo, durante el desarrollo del proyecto, Toño Velasco convocó a los internautas a realizarse y enviar fotografías en actitud burlesca con el objetivo de completar la colección y de promover así una acción colectiva. De todas las fotografías recopiladas por el artista, muchas han sido proyectadas en la sala expositiva junto al resto de retratos llegando algunas a formar parte de la colección de gran formato. El resto de instantáneas enviadas – cerca de 300 - pueden verse en la web del proyecto, convirtiendo así Ensayo sobre la burlaen una muestra abierta y participativa donde la burloterapia se presenta como eje principal. 

La exposición puede visitarse en el Museo Barjola de Gijón hasta el 10 de marzo (Calle Trinidad, 17) y el proyecto puede seguirse desde la página gestionada por el artista http://ensayosobrelaburla.jimdo.com
Más información: www.museobarjola.es


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